<![CDATA[Foro PES Retro - Música ]]> https://foro.pesretro.net/ Sun, 30 Aug 2026 06:05:25 +0000 MyBB <![CDATA[enjoy house music]]> https://foro.pesretro.net/thread-12896.html Sun, 24 Sep 2023 05:59:15 -0300 sunrayytw]]> https://foro.pesretro.net/thread-12896.html Is there anyone who likes it like I do? Can you recommend a cool mixset that's fun to listen to?
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10 discos claves para conocer la obra de Charly García

En un nuevo aniversario del nacimiento del músico, un recorrido por su discografía para entender por qué es una figura ineludible dentro de la cultura nacional

Un 23 de octubre de 1951 nacía Carlos Alberto García, más conocido como Charly García. Considerado un artista clave para el rock en español, su figura se erige como un emblema de la cultura popular argentina. A partir de sus bandas iniciales y su prolífica carrera solista, García posee en su haber un reguero de canciones que forman parte del inconsciente colectivo, atravesando generaciones y audiencias.

De una altura musical que es equiparable a su estatura de 1,94 cm, el músico de bigote bicolor producto del vitiligo (una enfermedad que según él se le produjo a los 3 años tras extrañar a sus padres que habían viajado a Europa) es también un símbolo de la sociedad argentina. Contradictorio, camaleónico y versátil, muchos de sus dichos forman parte del glosario nacional, así como también sus anécdotas y andanzas.

A la hora de recorrer su carrera, se pueden hacer 10 paradas para poder verla en su dimensión y diversidad. En este trayecto personal, no se van a tener en cuenta únicamente a "las mejores obras", sino más bien a aquellas que marcan un punto clave en la forma de composición y de pensar su propio obra por parte de Charly García. Después de todo, ¿cómo se puede explicar que el mismo compositor de "Canción para mi muerte" sea el que haya hecho "El aguante" más de 20 años después? He aquí una posible explicación.

1 - Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones (1974) Si bien es el disco menos popular de Sui Generis, Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones es el disco en el que Charly García empieza a lanzarse a nuevos horizontes musicales que después serían un rasgo distintivo dentro de su carrera. Empezando a abandonar el ritmo acústico, el álbum sirve de puente para entender lo que luego será La Máquina de Hacer Pájaros, donde lo eléctrico y las influencias progresivas entran en juego.

Con clásicos como "Instituciones" y "Pequeñas delicias de la vida conyugal", el mítico dúo conformado con Nito Mestre se transformó en banda con el ingreso de Rinaldo Rafanelli en bajo y otros instrumentos de cuerda, y Juan Rodríguez en batería. Además, dentro del terreno de las letras, empieza la necesidad de recurrir a metáforas cada vez más finas para evitar la censura de la época. Sin ir más lejos, las canciones "Juan Represión" y "Botas Locas" fueron censuradas antes de la salida del LP.

[Imagen: charly-garcia-pequenas-anecdotas-sobre-l...795228.jpg]

2 - Películas (1977) Segundo y último disco de La máquina de hacer pájaros, banda progresiva que desconcertó al gran público en su momento y que perduró en el paso del tiempo como una de las etapas de culto de Charly García. Por ejemplo, el propio Luis Alberto Spinetta considera a esta etapa como su puerta de entrada al universo García. En este disco, símbolo de una época de fuertes restricciones para la creación cultural, García recurre a la sutileza en el título de la canción "¿Qué Se Puede Hacer Salvo Ver Películas?".

El gran clásico de este disco es "Hipercandombe" y refleja a un García en estado de inspiración y, al mismo tiempo, de búsqueda de un sonido propio, el cual decantaría finalmente en la etapa de Serú Giran y sus primeros discos solistas. Además, esta etapa sirve para comprender otra constante en el universo musical de Charly: correrse de lo conocido para empezar otras apuestas, algo que será llevado hasta el extremo en su etapa "Say No More".

[Imagen: charly-garcia-795240.png]

3- Bicicleta (1980) Tras una fría recepción por parte del público, que esperaba de la banda un sonido cercano al de los primeros discos de Sui Generis, el tercer álbum de "Los Beatles argentinos" -como se los llamaba en esa época- marcaría el punto más alto de la banda y el encuentro con las masas. La comunión musical entre García, Davis Lebón, Pedro Aznar y Oscar Moro alcanza una precisión que hace de este disco un clásico del rock nacional.

Entre sus clásicos, figuran dos canciones que aún hoy forman parte del repertorio de García y del cancionero popular argentino: "Desarma y Sangra" y "Canción de Alicia en el país". En el caso de esta última, se ve cómo es llevado al extremo el recurso poético de utilizar la metáfora como elemento de denuncia sin caer en la mano de los censores de turno. El recibimiento fue tan bueno que se coronó con una presentación de la banda en La Rural ante 60 000 personas, justo antes de fin de año: el 30 de diciembre.

[Imagen: charly-garcia-795239.jpg]

4 - Clics Modernos (1983) Quizás el disco más aclamado de Charly en su etapa solista, Clics Modernos es el punto máximo del sonido marca registrada del autor, que incluye temas tan populares como "Nos siguen pegando abajo", "No me dejan salir" o "Los Dinosaurios" (el tema emblema a la hora de pensar la última dictadura por varias generaciones), así como también temas de culto que no envejecen. Tal es el caso de "Ojos de videotape" o "No soy un extraño".

En diferentes encuestas, este disco compite con Artaud de Pescado Rabioso (aunque en realidad es un disco de Spinetta en solista, quien tuvo que firmar con el nombre de la banda por cuestiones contractuales) como el mejor disco de la historia del rock nacional. Motivos no faltan: entre la algarabía por dejar atrás los tiempos oscuros con un ritmo new wave y la sensibilidad que impregna las baladas de Charly, esta obra marca una época y resiste el paso del tiempo. Grabado en Nueva York con las últimas tecnologías en materias de registro y sample, abrió la puerta a que otros músicos del rock nacional se animen a mezclar sonidos y texturas.

[Imagen: charly-garcia-795238.jpg]

5 - Piano Bar (1984) Publicado un año después de Clics Modernos, este álbum forma parte de la trilogía más lograda por García, la cual culmina con el disco Parte de la religión, de 1987. Con un clima similar a su antecesor, desfilan temas icónicos dentro del repertorio del músico del bigote bicolor: "Demoliendo Hoteles", "Raros peinados nuevos" y "Cerca de la revolución". Con una banda compuesta por Fito Páez en teclados, Fabiana Cantilo en coros y el grupo GIT -además de Daniel Melingo en saxo-, el sonido de Charly confirmaba su estado de gracia.

Al igual que gran parte de la discografía del músico, en el disco se oscila entre los ritmos bailables y las baladas. Mención especial dentro de ese terreno para "Promesas sobre el bidet" y "Total interferencia", considerado el primer tema firmado en conjunto entre García y Spinetta, aunque la mayoría del trabajo creativo corresponde al primero. Por su parte, Fito Páez al enterarse de la existencia de esa canción insistió en que formara parte del disco, al punto de que en versiones piratas de esa grabación se puede escuchar el diálogo entre García y Páez tras la grabación.

[Imagen: charly-garcia-795237.jpg]

6 - La hija de la lágrima (1994) Séptimo disco de estudio solista de García, el cual marca un momento bisagra en su carrera. A partir de este material, se da comienzo a la etapa "Say No More", en el que el músico propone un sonido mucho más oscuro, apoyado en la superposición de capas de sonido y un ritmo más cercano al rock and roll clásico. Comenzada la etapa del aerosol en sus manos, teclados y paredes, García en 1994 rompe con lo que se esperaba de él tras unos primeros años de la década que incluyeron internaciones, polémicas con la prensa y un regreso un tanto fallido con Serú Girán.

Este disco, que sabe soportar el paso del tiempo mucho mejor de lo que en su momento se opinaba, incluye temas que son claves en el repertorio de García: "La sal no sala", Víctima" y Chipi Chipi" forman parte de la lista de imprescindibles dentro de su obra. Además, es el comienzo de una de las sociedades que más enriqueció al artista: María Gabriela Epumer sería la fiel ladera de García hasta su temprana muerte en 2003, a los 39 años.

[Imagen: charly-garcia-795236.jpg]

7 - Hello! MTV Unplugged (1995) Parte de la serie de recitales semi acústicos de la cadena MTV, García aprovechó la oportunidad para hacer uno de los discos más interesantes en materia sonora de su carrera. Con el acompañamiento de Epumer en guitarra, Fabián Vön Quintiero en bajo, Fernando Samalea en batería y bandoneón, y Erika y Ulises Di Salvo en violín y cello respectivamente, García demuestra que las performances en vivo le sirven para experimentar y crear nuevas propuestas.

A través de un repaso por varios de sus hits y del entonces recién lanzado La hija de la lágrima, García demostró que tenía mucho para ofrecer incluso en una época en donde los escándalos opacaban su propia producción musical. Las versiones de "Cerca de la revolución", "Los dinosaurios", "Fanky" y el medley de Serú Girán (con olvido de letra incluido en "Viernes 3AM") marcaban que la calidad seguía intacta.

[Imagen: charly-garcia-795235.jpg]

8 - Sinfonía para adolescentes (2001) Disco poco valorado por la crítica en general y con un espacio secundario dentro de su discografía, este experimento de traer a Sui Generis a los frenéticos primeros años del siglo XXI dio como resultado una síntesis del García melódico con el ultra experimental de la etapa "Say No More". La voz de Nito Mestre, por su parte, evocaba a esos clásicos que atravesaron generaciones de fogón en fogón.

De este disco, que fue presentado en un estuche de vinilo a pesar de ser un compact disc, se destaca la canción "El día que apagaron la luz", la cual fue recuperada a su vez en los recitales que dio García en esta última década, y una serie de covers elegidos por él mismo para que integren el material. "Úsame un poquito más", "Yo soy su papá" o "Aguante la amistad" son algunas de las reversiones de un Charly que siempre deja su huella en todo lo que toca. Álbum de culto, sirve para entender mejor el universo compositivo y unir eslabones en la carrera del músico.

[Imagen: charly-garcia-795234.jpg]

9 - Influencia (2002) Una sorpresa dentro de la discografía de García para la época: un disco conciso, prolijo y potente que tomaba lo mejor del concepto "Say No More" sin descuidar al resultado final. Este álbum volvió a poner a Charly en el centro de la escena, seduciendo incluso a aquellos que le habían perdido el rastro en esos últimos años. "Tu vicio", "I'm not in love" e "Influencia" supieron ganarse su lugar dentro del cancionero de García y, así como tener una alta circulación en los medios.

Influencia, además, abre la puerta a algo que va a ser clave para pensar al músico en el siglo XXI: discos conceptuales, en donde una misma estética va a recorrer el material tanto en los planos sonoros, visuales y de marketing. Con un clima oscuro y elevado, García también se anima a reversionarse a sí mismo en canciones como "Encuentro con el diablo" y "Happy and real", agregándoles el toque "Say No More" que no habían tenido en su momento. Disco con el que muchos ingresaron a Charly, es el último punto alto de una etapa en el que ídolo popular coqueteó con la música, los excesos y la fama por partes iguales.

[Imagen: charly-garcia-795233.jpg]

10 - Random (2017) En el primer disco tras 7 años de la salida de Kill Gil y su salida de rehabilitación, García aún sorprende con una calidad y una facilidad para generar climas en sus composiciones. A pesar de los impedimentos físicos que tiene su voz, este álbum no solo deja en claro que su genio sigue activo, sino que también se puede crear música de calidad con las tecnologías actuales sin descuidar a los instrumentos tradicionales. En esa combinación, García hace su propio juego, con sus propias reglas.

A su vez, Random tiene una particularidad para celebrar: es el primer disco desde Clics Modernos y Piano Bar en el que todos los temas son de su autoría, dejando atrás la etapa "Say No More" en el aspecto de acumulación de covers, aunque no así en lo que a sonido y estética se refiere. De este disco, que supo entremezclarse en los recitales de García sin desentonar, "La máquina de ser feliz", "Primavera" y "Lluvia" son una excelente oportunidad para abrirse paso en lo que el Charly García del siglo XXI todavía tiene para ofrecer.

[Imagen: charly-garcia-795232.jpg]


Fuente: https://noticias.perfil.com/noticias/cul...rcia.phtml]]> [Imagen: cha_1.jpg_1359985867.jpg]

10 discos claves para conocer la obra de Charly García

En un nuevo aniversario del nacimiento del músico, un recorrido por su discografía para entender por qué es una figura ineludible dentro de la cultura nacional

Un 23 de octubre de 1951 nacía Carlos Alberto García, más conocido como Charly García. Considerado un artista clave para el rock en español, su figura se erige como un emblema de la cultura popular argentina. A partir de sus bandas iniciales y su prolífica carrera solista, García posee en su haber un reguero de canciones que forman parte del inconsciente colectivo, atravesando generaciones y audiencias.

De una altura musical que es equiparable a su estatura de 1,94 cm, el músico de bigote bicolor producto del vitiligo (una enfermedad que según él se le produjo a los 3 años tras extrañar a sus padres que habían viajado a Europa) es también un símbolo de la sociedad argentina. Contradictorio, camaleónico y versátil, muchos de sus dichos forman parte del glosario nacional, así como también sus anécdotas y andanzas.

A la hora de recorrer su carrera, se pueden hacer 10 paradas para poder verla en su dimensión y diversidad. En este trayecto personal, no se van a tener en cuenta únicamente a "las mejores obras", sino más bien a aquellas que marcan un punto clave en la forma de composición y de pensar su propio obra por parte de Charly García. Después de todo, ¿cómo se puede explicar que el mismo compositor de "Canción para mi muerte" sea el que haya hecho "El aguante" más de 20 años después? He aquí una posible explicación.

1 - Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones (1974) Si bien es el disco menos popular de Sui Generis, Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones es el disco en el que Charly García empieza a lanzarse a nuevos horizontes musicales que después serían un rasgo distintivo dentro de su carrera. Empezando a abandonar el ritmo acústico, el álbum sirve de puente para entender lo que luego será La Máquina de Hacer Pájaros, donde lo eléctrico y las influencias progresivas entran en juego.

Con clásicos como "Instituciones" y "Pequeñas delicias de la vida conyugal", el mítico dúo conformado con Nito Mestre se transformó en banda con el ingreso de Rinaldo Rafanelli en bajo y otros instrumentos de cuerda, y Juan Rodríguez en batería. Además, dentro del terreno de las letras, empieza la necesidad de recurrir a metáforas cada vez más finas para evitar la censura de la época. Sin ir más lejos, las canciones "Juan Represión" y "Botas Locas" fueron censuradas antes de la salida del LP.

[Imagen: charly-garcia-pequenas-anecdotas-sobre-l...795228.jpg]

2 - Películas (1977) Segundo y último disco de La máquina de hacer pájaros, banda progresiva que desconcertó al gran público en su momento y que perduró en el paso del tiempo como una de las etapas de culto de Charly García. Por ejemplo, el propio Luis Alberto Spinetta considera a esta etapa como su puerta de entrada al universo García. En este disco, símbolo de una época de fuertes restricciones para la creación cultural, García recurre a la sutileza en el título de la canción "¿Qué Se Puede Hacer Salvo Ver Películas?".

El gran clásico de este disco es "Hipercandombe" y refleja a un García en estado de inspiración y, al mismo tiempo, de búsqueda de un sonido propio, el cual decantaría finalmente en la etapa de Serú Giran y sus primeros discos solistas. Además, esta etapa sirve para comprender otra constante en el universo musical de Charly: correrse de lo conocido para empezar otras apuestas, algo que será llevado hasta el extremo en su etapa "Say No More".

[Imagen: charly-garcia-795240.png]

3- Bicicleta (1980) Tras una fría recepción por parte del público, que esperaba de la banda un sonido cercano al de los primeros discos de Sui Generis, el tercer álbum de "Los Beatles argentinos" -como se los llamaba en esa época- marcaría el punto más alto de la banda y el encuentro con las masas. La comunión musical entre García, Davis Lebón, Pedro Aznar y Oscar Moro alcanza una precisión que hace de este disco un clásico del rock nacional.

Entre sus clásicos, figuran dos canciones que aún hoy forman parte del repertorio de García y del cancionero popular argentino: "Desarma y Sangra" y "Canción de Alicia en el país". En el caso de esta última, se ve cómo es llevado al extremo el recurso poético de utilizar la metáfora como elemento de denuncia sin caer en la mano de los censores de turno. El recibimiento fue tan bueno que se coronó con una presentación de la banda en La Rural ante 60 000 personas, justo antes de fin de año: el 30 de diciembre.

[Imagen: charly-garcia-795239.jpg]

4 - Clics Modernos (1983) Quizás el disco más aclamado de Charly en su etapa solista, Clics Modernos es el punto máximo del sonido marca registrada del autor, que incluye temas tan populares como "Nos siguen pegando abajo", "No me dejan salir" o "Los Dinosaurios" (el tema emblema a la hora de pensar la última dictadura por varias generaciones), así como también temas de culto que no envejecen. Tal es el caso de "Ojos de videotape" o "No soy un extraño".

En diferentes encuestas, este disco compite con Artaud de Pescado Rabioso (aunque en realidad es un disco de Spinetta en solista, quien tuvo que firmar con el nombre de la banda por cuestiones contractuales) como el mejor disco de la historia del rock nacional. Motivos no faltan: entre la algarabía por dejar atrás los tiempos oscuros con un ritmo new wave y la sensibilidad que impregna las baladas de Charly, esta obra marca una época y resiste el paso del tiempo. Grabado en Nueva York con las últimas tecnologías en materias de registro y sample, abrió la puerta a que otros músicos del rock nacional se animen a mezclar sonidos y texturas.

[Imagen: charly-garcia-795238.jpg]

5 - Piano Bar (1984) Publicado un año después de Clics Modernos, este álbum forma parte de la trilogía más lograda por García, la cual culmina con el disco Parte de la religión, de 1987. Con un clima similar a su antecesor, desfilan temas icónicos dentro del repertorio del músico del bigote bicolor: "Demoliendo Hoteles", "Raros peinados nuevos" y "Cerca de la revolución". Con una banda compuesta por Fito Páez en teclados, Fabiana Cantilo en coros y el grupo GIT -además de Daniel Melingo en saxo-, el sonido de Charly confirmaba su estado de gracia.

Al igual que gran parte de la discografía del músico, en el disco se oscila entre los ritmos bailables y las baladas. Mención especial dentro de ese terreno para "Promesas sobre el bidet" y "Total interferencia", considerado el primer tema firmado en conjunto entre García y Spinetta, aunque la mayoría del trabajo creativo corresponde al primero. Por su parte, Fito Páez al enterarse de la existencia de esa canción insistió en que formara parte del disco, al punto de que en versiones piratas de esa grabación se puede escuchar el diálogo entre García y Páez tras la grabación.

[Imagen: charly-garcia-795237.jpg]

6 - La hija de la lágrima (1994) Séptimo disco de estudio solista de García, el cual marca un momento bisagra en su carrera. A partir de este material, se da comienzo a la etapa "Say No More", en el que el músico propone un sonido mucho más oscuro, apoyado en la superposición de capas de sonido y un ritmo más cercano al rock and roll clásico. Comenzada la etapa del aerosol en sus manos, teclados y paredes, García en 1994 rompe con lo que se esperaba de él tras unos primeros años de la década que incluyeron internaciones, polémicas con la prensa y un regreso un tanto fallido con Serú Girán.

Este disco, que sabe soportar el paso del tiempo mucho mejor de lo que en su momento se opinaba, incluye temas que son claves en el repertorio de García: "La sal no sala", Víctima" y Chipi Chipi" forman parte de la lista de imprescindibles dentro de su obra. Además, es el comienzo de una de las sociedades que más enriqueció al artista: María Gabriela Epumer sería la fiel ladera de García hasta su temprana muerte en 2003, a los 39 años.

[Imagen: charly-garcia-795236.jpg]

7 - Hello! MTV Unplugged (1995) Parte de la serie de recitales semi acústicos de la cadena MTV, García aprovechó la oportunidad para hacer uno de los discos más interesantes en materia sonora de su carrera. Con el acompañamiento de Epumer en guitarra, Fabián Vön Quintiero en bajo, Fernando Samalea en batería y bandoneón, y Erika y Ulises Di Salvo en violín y cello respectivamente, García demuestra que las performances en vivo le sirven para experimentar y crear nuevas propuestas.

A través de un repaso por varios de sus hits y del entonces recién lanzado La hija de la lágrima, García demostró que tenía mucho para ofrecer incluso en una época en donde los escándalos opacaban su propia producción musical. Las versiones de "Cerca de la revolución", "Los dinosaurios", "Fanky" y el medley de Serú Girán (con olvido de letra incluido en "Viernes 3AM") marcaban que la calidad seguía intacta.

[Imagen: charly-garcia-795235.jpg]

8 - Sinfonía para adolescentes (2001) Disco poco valorado por la crítica en general y con un espacio secundario dentro de su discografía, este experimento de traer a Sui Generis a los frenéticos primeros años del siglo XXI dio como resultado una síntesis del García melódico con el ultra experimental de la etapa "Say No More". La voz de Nito Mestre, por su parte, evocaba a esos clásicos que atravesaron generaciones de fogón en fogón.

De este disco, que fue presentado en un estuche de vinilo a pesar de ser un compact disc, se destaca la canción "El día que apagaron la luz", la cual fue recuperada a su vez en los recitales que dio García en esta última década, y una serie de covers elegidos por él mismo para que integren el material. "Úsame un poquito más", "Yo soy su papá" o "Aguante la amistad" son algunas de las reversiones de un Charly que siempre deja su huella en todo lo que toca. Álbum de culto, sirve para entender mejor el universo compositivo y unir eslabones en la carrera del músico.

[Imagen: charly-garcia-795234.jpg]

9 - Influencia (2002) Una sorpresa dentro de la discografía de García para la época: un disco conciso, prolijo y potente que tomaba lo mejor del concepto "Say No More" sin descuidar al resultado final. Este álbum volvió a poner a Charly en el centro de la escena, seduciendo incluso a aquellos que le habían perdido el rastro en esos últimos años. "Tu vicio", "I'm not in love" e "Influencia" supieron ganarse su lugar dentro del cancionero de García y, así como tener una alta circulación en los medios.

Influencia, además, abre la puerta a algo que va a ser clave para pensar al músico en el siglo XXI: discos conceptuales, en donde una misma estética va a recorrer el material tanto en los planos sonoros, visuales y de marketing. Con un clima oscuro y elevado, García también se anima a reversionarse a sí mismo en canciones como "Encuentro con el diablo" y "Happy and real", agregándoles el toque "Say No More" que no habían tenido en su momento. Disco con el que muchos ingresaron a Charly, es el último punto alto de una etapa en el que ídolo popular coqueteó con la música, los excesos y la fama por partes iguales.

[Imagen: charly-garcia-795233.jpg]

10 - Random (2017) En el primer disco tras 7 años de la salida de Kill Gil y su salida de rehabilitación, García aún sorprende con una calidad y una facilidad para generar climas en sus composiciones. A pesar de los impedimentos físicos que tiene su voz, este álbum no solo deja en claro que su genio sigue activo, sino que también se puede crear música de calidad con las tecnologías actuales sin descuidar a los instrumentos tradicionales. En esa combinación, García hace su propio juego, con sus propias reglas.

A su vez, Random tiene una particularidad para celebrar: es el primer disco desde Clics Modernos y Piano Bar en el que todos los temas son de su autoría, dejando atrás la etapa "Say No More" en el aspecto de acumulación de covers, aunque no así en lo que a sonido y estética se refiere. De este disco, que supo entremezclarse en los recitales de García sin desentonar, "La máquina de ser feliz", "Primavera" y "Lluvia" son una excelente oportunidad para abrirse paso en lo que el Charly García del siglo XXI todavía tiene para ofrecer.

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Fuente: https://noticias.perfil.com/noticias/cul...rcia.phtml]]> <![CDATA[Lollapalooza Argentina 2020]]> https://foro.pesretro.net/thread-11384.html Thu, 10 Oct 2019 14:21:30 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11384.html [Imagen: lollapalooza.png]
Fecha: vie., 27 mar. 2020 al dom., 29 mar. 2020
Ubicación: Hipódromo de San Isidro, Argentina

Lineup Poster *Click en la imagen para agrandar

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lanacion.com.ar escribió:Lollapalooza 2020: entradas, bandas y todo lo que hay que saber

La cuenta regresiva comenzó. Ya se conocieron los artistas principales que serán cabeza de cartel de la séptima edición del Lollapalooza, el 27, 28 y 29 de marzo de 2020, en el Hipódromo de San Isidro. Para los que todavía tenían dudas sobre el lineup del festival, el eclecticismo, la variedad y más de cien bandas en cuatro escenarios, son atractivos más que suficientes para públicos muy diversos. Guns N'Roses, The Strokes, Gwen Stefani, Travis Scott, Lana del Rey y Martin Garrix encabezan el lineup.

En julio comenzó la venta de entradas anticipadas con el abono Early Bird para los tres días a 3600 pesos más cargo de servicio. Los 120 mil tickets disponibles en la preventa se agotaron en pocas horas. Actualmente están disponible la Preventa 4 con un bono para los 3 días a 8250 pesos más cargo de servicio. Las entradas VIP para tener acceso todos los días del festival tienen un costo de $14990.

Las entradas se pueden adquirir a través de la página oficial del Lollapalooza con todas las tarjetas de crédito. Desde el exterior se pueden comprar a través de la página AllAccess.com.ar, donde es necesario registrarte para poder realizar todo el proceso de compra de entradas.

Los puntos de venta físico oficial son La Rural, Av. Santa Fe 4201 (Frente a Plaza Italia) en el horario de lunes a viernes de 10 a 13 y de 14 a 19; y en el Teatro Vorterix, Av.Federico Lacroze 3455, de martes a sábados de 10 a 13 y de 14 a 19. Allí se puede abonar en efectivo, con tarjeta de débito y crédito.

Fuente: https://www.lanacion.com.ar/espectaculos...nid2295940

]]> [Imagen: lollapalooza.png]
Fecha: vie., 27 mar. 2020 al dom., 29 mar. 2020
Ubicación: Hipódromo de San Isidro, Argentina

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lanacion.com.ar escribió:Lollapalooza 2020: entradas, bandas y todo lo que hay que saber

La cuenta regresiva comenzó. Ya se conocieron los artistas principales que serán cabeza de cartel de la séptima edición del Lollapalooza, el 27, 28 y 29 de marzo de 2020, en el Hipódromo de San Isidro. Para los que todavía tenían dudas sobre el lineup del festival, el eclecticismo, la variedad y más de cien bandas en cuatro escenarios, son atractivos más que suficientes para públicos muy diversos. Guns N'Roses, The Strokes, Gwen Stefani, Travis Scott, Lana del Rey y Martin Garrix encabezan el lineup.

En julio comenzó la venta de entradas anticipadas con el abono Early Bird para los tres días a 3600 pesos más cargo de servicio. Los 120 mil tickets disponibles en la preventa se agotaron en pocas horas. Actualmente están disponible la Preventa 4 con un bono para los 3 días a 8250 pesos más cargo de servicio. Las entradas VIP para tener acceso todos los días del festival tienen un costo de $14990.

Las entradas se pueden adquirir a través de la página oficial del Lollapalooza con todas las tarjetas de crédito. Desde el exterior se pueden comprar a través de la página AllAccess.com.ar, donde es necesario registrarte para poder realizar todo el proceso de compra de entradas.

Los puntos de venta físico oficial son La Rural, Av. Santa Fe 4201 (Frente a Plaza Italia) en el horario de lunes a viernes de 10 a 13 y de 14 a 19; y en el Teatro Vorterix, Av.Federico Lacroze 3455, de martes a sábados de 10 a 13 y de 14 a 19. Allí se puede abonar en efectivo, con tarjeta de débito y crédito.

Fuente: https://www.lanacion.com.ar/espectaculos...nid2295940

]]> <![CDATA[La música de Gustavo Cerati llegará a los cines]]> https://foro.pesretro.net/thread-11371.html Thu, 03 Oct 2019 18:49:08 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11371.html La música de Gustavo Cerati llegará a los cines
El inicio de la gira latinoamericana de presentación de su álbum “Fuerza natural” se verá como película y con sonido de última generación.

El 19 de noviembre de 2009 quedó en la historia de la música latinoamericana. Esa noche en el estadio de béisbol de la ciudad de Monterrey, México y ante más de 10.000 personas, Gustavo Cerati dio inicio a la que sería su última gira. El martes 19 de noviembre, a diez años de esa noche, se podrá ver en pantalla grande por primera y única vez el concierto en las salas de los cines Cinemark y Hoyts de todo el país. Al día siguiente, ese concierto llegará al público en formato de dos cds y dvd.

El anunció emocionó a todos los seguidores de quien fue líder de Soda Stereo. Fuerza Natural Tour, Gustavo Cerati en vivo en Monterrey, MX, 2009, mostrará el show que el cantante hizo en el marco de la presentación de su último disco de estudio. Gracias al registro fílmico ese concierto quedó grabado con los mejores recursos técnicos del momento.

El sonido del estreno cinematográfico será la mezcla directa de la consola del show y las performances serán las mismas que se ejecutaron esa noche, no hay ningún retoque ni regrabación, no hay remezclas.

[Imagen: gustavo-cerati-en-el-tour___rJeH89YfG_720x0.jpg]

El concierto incluyó 25 canciones, que fueron presentadas en dos actos, el primero, con Fuerza natural de principio a fin, y el segundo, con los mejores éxitos de su carrera solista como, Pulsar, Crimen, Cosas imposibles.

Las entradas para la película estarán a la venta próximamente en www.cinemarkhoyts.com.ar y en las boleterías de los complejos. Y a partir del 20 de noviembre el álbum estará disponible en formato físico (2 CDs + 1 DVD) y en Plataformas Digitales.

La gira contó con la escenografía y el diseño de producción de Martín Philips (colaborador de Nine Inch Nails, Daft Punk y Soda Stereo), Manuel Morales en vestuario, Nicolás Bernaudo a cargo de las visuales y Adrián Taverna en el sonido.

La banda que acompañó a Cerati fue conformada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Nalé (bajo), Leandro Fresco (teclado y coros), Fernando Samalea (batería y percusión), Gonzalo Córdoba (guitarras) y Anita Álvarez de Toledo (coros).

El 4 de septiembre se cumplieron cinco años de la muerte de uno de los mayores exponentes del rock argentino y latinoamericano, y poco más de nueve, sin su presencia vital. En Mayo de 2010 sufrió un trágico accidente cerebrovascular después de dar un recital en la Universidad Simón Bolívar de Caracas, Venezuela.

[Imagen: charly-alberti-gustavo-cerati-y___r1lQBu4Cme_720x0.jpg]

Le siguieron dos días internado sin un diagnóstico certero, una operación, el traslado a Argentina y el ingreso a la clínica ALCLA, donde estuvo casi cuatro años en coma.

El último adiós fue en la Legislatura porteña, donde miles de fans se acercaron, algunos tras hacer quince cuadras de cola. Las radios pasaron sus temas, los noticieros lo evocaron y todos los medios le rindieron emotivos homenajes.

Fuente: https://www.clarin.com/espectaculos/musi...1569602398

]]> La música de Gustavo Cerati llegará a los cines
El inicio de la gira latinoamericana de presentación de su álbum “Fuerza natural” se verá como película y con sonido de última generación.

El 19 de noviembre de 2009 quedó en la historia de la música latinoamericana. Esa noche en el estadio de béisbol de la ciudad de Monterrey, México y ante más de 10.000 personas, Gustavo Cerati dio inicio a la que sería su última gira. El martes 19 de noviembre, a diez años de esa noche, se podrá ver en pantalla grande por primera y única vez el concierto en las salas de los cines Cinemark y Hoyts de todo el país. Al día siguiente, ese concierto llegará al público en formato de dos cds y dvd.

El anunció emocionó a todos los seguidores de quien fue líder de Soda Stereo. Fuerza Natural Tour, Gustavo Cerati en vivo en Monterrey, MX, 2009, mostrará el show que el cantante hizo en el marco de la presentación de su último disco de estudio. Gracias al registro fílmico ese concierto quedó grabado con los mejores recursos técnicos del momento.

El sonido del estreno cinematográfico será la mezcla directa de la consola del show y las performances serán las mismas que se ejecutaron esa noche, no hay ningún retoque ni regrabación, no hay remezclas.

[Imagen: gustavo-cerati-en-el-tour___rJeH89YfG_720x0.jpg]

El concierto incluyó 25 canciones, que fueron presentadas en dos actos, el primero, con Fuerza natural de principio a fin, y el segundo, con los mejores éxitos de su carrera solista como, Pulsar, Crimen, Cosas imposibles.

Las entradas para la película estarán a la venta próximamente en www.cinemarkhoyts.com.ar y en las boleterías de los complejos. Y a partir del 20 de noviembre el álbum estará disponible en formato físico (2 CDs + 1 DVD) y en Plataformas Digitales.

La gira contó con la escenografía y el diseño de producción de Martín Philips (colaborador de Nine Inch Nails, Daft Punk y Soda Stereo), Manuel Morales en vestuario, Nicolás Bernaudo a cargo de las visuales y Adrián Taverna en el sonido.

La banda que acompañó a Cerati fue conformada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Nalé (bajo), Leandro Fresco (teclado y coros), Fernando Samalea (batería y percusión), Gonzalo Córdoba (guitarras) y Anita Álvarez de Toledo (coros).

El 4 de septiembre se cumplieron cinco años de la muerte de uno de los mayores exponentes del rock argentino y latinoamericano, y poco más de nueve, sin su presencia vital. En Mayo de 2010 sufrió un trágico accidente cerebrovascular después de dar un recital en la Universidad Simón Bolívar de Caracas, Venezuela.

[Imagen: charly-alberti-gustavo-cerati-y___r1lQBu4Cme_720x0.jpg]

Le siguieron dos días internado sin un diagnóstico certero, una operación, el traslado a Argentina y el ingreso a la clínica ALCLA, donde estuvo casi cuatro años en coma.

El último adiós fue en la Legislatura porteña, donde miles de fans se acercaron, algunos tras hacer quince cuadras de cola. Las radios pasaron sus temas, los noticieros lo evocaron y todos los medios le rindieron emotivos homenajes.

Fuente: https://www.clarin.com/espectaculos/musi...1569602398

]]> <![CDATA[El regreso de Soda Stereo]]> https://foro.pesretro.net/thread-11369.html Thu, 03 Oct 2019 14:07:48 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11369.html El regreso de Soda Stereo: con Chris Martin, de Coldplay, se lanza la gira que homenajeará a Gustavo Cerati
Hola a Todos. ¿Por qué? No sabemos. Sucede. Una nueva última vez. Gustavo es una ausencia presente. Él decía que por más que lo intentemos nunca dejaremos de ser Soda. Y así parece ser". Así comienza Soda Stereo Manifiesto, el texto que escribieron Charly Alberti y Zeta Bosio para anunciar el lanzamiento de otra "burbuja en el tiempo", otro reencuentro entre la banda más grande de América Latina y su público. Pero esta vez se trata de Gracias Totales-Soda Stereo, un show que celebrará la obra del trío en un formato inédito y con una gran puesta visual e ingeniería sonora propios de los grandes shows de estadio.

El primer show se llevará a cabo el 29 de febrero en Bogotá, Colombia y a Buenos Aires llegará el 21 de marzo. El lugar elegido es el Campo Argentino de Polo y la producción es de PopArt Music. Entre esas fechas, la gira de Gracias Totales-Soda Stereo pasará por Santiago de Chile (Estadio Nacional), el 7 de marzo, y Ciudad de México (Foto Sol), el 12 de marzo. La gira podría extenderse a otros países e, incluso, podría sumar nuevas fechas en estas primeras plazas anunciadas. A partir de este domingo 6 de octubre habrá una preventa exclusiva para los clientes de un banco y el viernes 11 se habilitará la venta general.


En el más hermético de los silencios Charly Alberti y Zeta Bosio ensayan desde hace tiempo para este retorno. Ya cuentan con varios músicos que serán de la partida en escena. Los primeros confirmados son Richard Coleman y El Zorrito Fabian Quintiero, es decir dos aliados históricos de Soda Stereo.

En cuanto a la voz, Gustavo Cerati será homenajeado por un seleccionado de cantantes de la escena latinoamericana. Su hijo Benito Cerati, Richard Coleman, Adrián Dárgelos, Andrea Echeverri (Aterciopelados), Fernando Ruiz Díaz (Vanthra; Catupecu Machu), Rubén Albarrán (Café Tacuba), Juanes, León Larregui (Zoé), Mon Laferte y una participación que sorprenderá a muchos: la del cantante de Coldplay, Chris Martin. Claro que hay un antecedente entre la banda de Martin y Soda Stereo y es la interpretación de Coldplay del clásico "De música ligera", en sus shows de 2017 en el Estadio Único de La Plata, en el cierre de su gira A Head Full of Dreams.

La idea es que cada cantante participe en directo en al menos un show y que en el resto de la gira lo haga en video. Este formato también se utilizará para la interacción entre Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti.

[Imagen: 3111327w740.jpg]

El Manifiesto completo

"Hola a Todos. ¿Por qué? No sabemos. Sucede. Una nueva última vez. Gustavo es una ausencia presente. Él decía que por más que lo intentemos nunca dejaremos de ser Soda. Y así parece ser. Lo somos, ustedes y nosotros. No somos el uno sin el otro. No somos Soda sin él. Podemos evocarlo, invocarlo. Sin ayer, sin mañana. Ahora. Yendo más allá. Convirtiendo en posible lo imposible. De esa materia se hacen los sueños. Somos un puñado de canciones, solo eso y nada menos que eso, que parecen atravesar el tiempo y las generaciones. ¿Y si existe un lugar en el que estemos de nuevo todos juntos? Tenemos un imperioso deseo. Y creemos que la mejor manera de cumplirlo es pensando en los demás, olvidando lo que piensan los demás. En la vida hay momentos para reír, para llorar, para emocionarnos. Para agradecer con amor y respeto. Queremos celebrar estas canciones. Vibrarlas juntos. Amigos de todas partes nos van a acompañar. Gracias Totales". La firma es de Charly y Zeta y las últimas palabras son las del nombre de este show celebratorio: Gracias Totales-Soda Stereo.

De esta forma y a través de sus redes sociales, Charly y Zeta quisieron comunicar a los fans de Soda el nuevo sueño que se ponía en marcha. Tras el espectáculo del Cirque du Soleil, Séptimo Día, que giró por Latinoamérica, por algunas de las muchas ciudades en las que tocó el trío, la expectativa por abrazar de alguna manera el legado de la banda no sólo estaba vigente sino que había aumentado y llegado a una nueva generación. Ahora nace la posibilidad de reencontrarse en un estadio, con la complicidad de la tecnología y, sobre todo, de los sueños, de un nuevo sueño stereo.

La gira

29 de febrero: Bogotá, Colombia; Estadio El Campín

7 de marzo: Santiago de Chile; Estadio Nacional

12 de marzo: Ciudad de México; Foro Sol

21 de marzo: Buenos Aires; Campo Argentino de Polo

Preventa exclusiva a partir del domingo 6 de octubre. Venta general a partir del viernes 11 de octubre.


Fuente:
https://www.lanacion.com.ar/espectaculos...nid2293435
https://www.youtube.com/channel/UC_MAanc...ACrpSwokhQ]]> El regreso de Soda Stereo: con Chris Martin, de Coldplay, se lanza la gira que homenajeará a Gustavo Cerati
Hola a Todos. ¿Por qué? No sabemos. Sucede. Una nueva última vez. Gustavo es una ausencia presente. Él decía que por más que lo intentemos nunca dejaremos de ser Soda. Y así parece ser". Así comienza Soda Stereo Manifiesto, el texto que escribieron Charly Alberti y Zeta Bosio para anunciar el lanzamiento de otra "burbuja en el tiempo", otro reencuentro entre la banda más grande de América Latina y su público. Pero esta vez se trata de Gracias Totales-Soda Stereo, un show que celebrará la obra del trío en un formato inédito y con una gran puesta visual e ingeniería sonora propios de los grandes shows de estadio.

El primer show se llevará a cabo el 29 de febrero en Bogotá, Colombia y a Buenos Aires llegará el 21 de marzo. El lugar elegido es el Campo Argentino de Polo y la producción es de PopArt Music. Entre esas fechas, la gira de Gracias Totales-Soda Stereo pasará por Santiago de Chile (Estadio Nacional), el 7 de marzo, y Ciudad de México (Foto Sol), el 12 de marzo. La gira podría extenderse a otros países e, incluso, podría sumar nuevas fechas en estas primeras plazas anunciadas. A partir de este domingo 6 de octubre habrá una preventa exclusiva para los clientes de un banco y el viernes 11 se habilitará la venta general.


En el más hermético de los silencios Charly Alberti y Zeta Bosio ensayan desde hace tiempo para este retorno. Ya cuentan con varios músicos que serán de la partida en escena. Los primeros confirmados son Richard Coleman y El Zorrito Fabian Quintiero, es decir dos aliados históricos de Soda Stereo.

En cuanto a la voz, Gustavo Cerati será homenajeado por un seleccionado de cantantes de la escena latinoamericana. Su hijo Benito Cerati, Richard Coleman, Adrián Dárgelos, Andrea Echeverri (Aterciopelados), Fernando Ruiz Díaz (Vanthra; Catupecu Machu), Rubén Albarrán (Café Tacuba), Juanes, León Larregui (Zoé), Mon Laferte y una participación que sorprenderá a muchos: la del cantante de Coldplay, Chris Martin. Claro que hay un antecedente entre la banda de Martin y Soda Stereo y es la interpretación de Coldplay del clásico "De música ligera", en sus shows de 2017 en el Estadio Único de La Plata, en el cierre de su gira A Head Full of Dreams.

La idea es que cada cantante participe en directo en al menos un show y que en el resto de la gira lo haga en video. Este formato también se utilizará para la interacción entre Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti.

[Imagen: 3111327w740.jpg]

El Manifiesto completo

"Hola a Todos. ¿Por qué? No sabemos. Sucede. Una nueva última vez. Gustavo es una ausencia presente. Él decía que por más que lo intentemos nunca dejaremos de ser Soda. Y así parece ser. Lo somos, ustedes y nosotros. No somos el uno sin el otro. No somos Soda sin él. Podemos evocarlo, invocarlo. Sin ayer, sin mañana. Ahora. Yendo más allá. Convirtiendo en posible lo imposible. De esa materia se hacen los sueños. Somos un puñado de canciones, solo eso y nada menos que eso, que parecen atravesar el tiempo y las generaciones. ¿Y si existe un lugar en el que estemos de nuevo todos juntos? Tenemos un imperioso deseo. Y creemos que la mejor manera de cumplirlo es pensando en los demás, olvidando lo que piensan los demás. En la vida hay momentos para reír, para llorar, para emocionarnos. Para agradecer con amor y respeto. Queremos celebrar estas canciones. Vibrarlas juntos. Amigos de todas partes nos van a acompañar. Gracias Totales". La firma es de Charly y Zeta y las últimas palabras son las del nombre de este show celebratorio: Gracias Totales-Soda Stereo.

De esta forma y a través de sus redes sociales, Charly y Zeta quisieron comunicar a los fans de Soda el nuevo sueño que se ponía en marcha. Tras el espectáculo del Cirque du Soleil, Séptimo Día, que giró por Latinoamérica, por algunas de las muchas ciudades en las que tocó el trío, la expectativa por abrazar de alguna manera el legado de la banda no sólo estaba vigente sino que había aumentado y llegado a una nueva generación. Ahora nace la posibilidad de reencontrarse en un estadio, con la complicidad de la tecnología y, sobre todo, de los sueños, de un nuevo sueño stereo.

La gira

29 de febrero: Bogotá, Colombia; Estadio El Campín

7 de marzo: Santiago de Chile; Estadio Nacional

12 de marzo: Ciudad de México; Foro Sol

21 de marzo: Buenos Aires; Campo Argentino de Polo

Preventa exclusiva a partir del domingo 6 de octubre. Venta general a partir del viernes 11 de octubre.


Fuente:
https://www.lanacion.com.ar/espectaculos...nid2293435
https://www.youtube.com/channel/UC_MAanc...ACrpSwokhQ]]> <![CDATA[KISS vuelve a Argentina]]> https://foro.pesretro.net/thread-11367.html Wed, 02 Oct 2019 12:21:00 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11367.html
[Imagen: main-qimg-45844066681946f24bff0e3151416a54.webp]

Recién escuchado en Aspen; KISS vuelve a Argentina!!! En el marco del tour "despedida" End of the Road World Tour.

Para tomar nota:
  • Fecha: 9 de Mayo del 2020
  • Lugar: Campo Argentino de Polo
  • Entradas: A partir del jueves 3/10, a las 10 am, a través de AllAcces y los puntos habilitados (La Rural y Teatro Colegiales)

clarin.com escribió:Kiss regresará a la Argentina en 2020 con su gira de despedida

La banda estadounidense dará su último show en nuestro país, en el Campo Argentino de Polo, en el marco de su End of the Road Tour.

Con casi 46 años en la ruta, Kiss recorre por estos días su recta final, con el End of the Road Tour, y en su gira de despedida la banda hará escala en la Argentina, el 9 de mayo de 2020, para tocar en el Campo Argentino de Polo, presentada por la plataforma Flow Music Experience.

Después de una épica y legendaria carrera que comenzó con la era de leyendas del rock and roll, el cuarteto formado por Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss anunció que se despedirá de sus fans de todo el mundo. Y por supuesto que nuestro país no podía quedar fuera de la celebración.

Es que, más allá de aquella visita que no fue en 1983, por obra y gracia de varios empresarios con pocos escrúpulos y de un grupo que amenazó con “volar la Bombonera” con los músicos y el público dentro, su primera llegada a nuestro país, en 1994, en el marco del Festival Monsters of Rock, marcó el inicio de un romance que se mantuvo incondicional a lo largo de dos décadas y media.

Desde entonces, la banda regresó con sus distintas formaciones y formatos de shows, y también lo hicieron varios de sus integrantes por separado, estableciendo un vínculo indestructible con sus fans locales.

Con casi 46 años en la ruta, Kiss recorre por estos días su recta final, con el End of the Road Tour, y en su gira de despedida la banda hará escala en la Argentina, el 9 de mayo de 2020, para tocar en el Campo Argentino de Polo, presentada por la plataforma Flow Music Experience.

Después de una épica y legendaria carrera que comenzó con la era de leyendas del rock and roll, el cuarteto formado por Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss anunció que se despedirá de sus fans de todo el mundo. Y por supuesto que nuestro país no podía quedar fuera de la celebración.

Es que, más allá de aquella visita que no fue en 1983, por obra y gracia de varios empresarios con pocos escrúpulos y de un grupo que amenazó con “volar la Bombonera” con los músicos y el público dentro, su primera llegada a nuestro país, en 1994, en el marco del Festival Monsters of Rock, marcó el inicio de un romance que se mantuvo incondicional a lo largo de dos décadas y media.

Inventores del marketing a gran escala en el rock, cultores de la pirotecnia escénica y producciones explosivas, Kiss ha demostrado durante décadas por qué son sin duda uno de los shows en vivo más emblemáticos del rock ’n’ roll. La banda, que es parte del Hall Of Fame of Rock & Roll y que ha vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo, ha dicho que esta gira está dedicada a los millones de fanáticos que son parte del KISS Army.

"Todo lo que hemos construido y todo lo que hemos conquistado en las últimas cuatro décadas nunca podría haber sucedido sin las millones de personas en todo el mundo que han llenado clubes, teatros y estadios durante esos años. Esta será la celebración definitiva para aquellos que nos han visto y una última oportunidad para aquellos que no lo han hecho. Kiss Army, nos estamos despidiendo en nuestra gira final con nuestro show más grande y saldremos de la misma manera en que entramos... Sin pedir disculpas e imparables”, declararon en el lanzamiento de la gira que los volverá a traer a Buenos Aires.

Esta vez, Kiss en la Argentina es presentado por Flow Music Experience, la nueva plataforma de shows en vivo de Telecom, y se podrá disfrutar en forma exclusiva por streaming en vivo a través de Cablevisión Flow, en los canales 600 o 601.

Las entradas estarán a la venta a partir del jueves 3 de octubre, a las 10, a través de AllAccess.com.ar y en puntos de venta habilitados, desde $2.500 + Service Charge en la Preventa 1. Una vez agotada la Preventa 1 se pasará automáticamente al precio de Preventa 2, y así sucesivamente.

Habrá una preventa exclusiva con Tarjeta Santander desde el jueves 3 al miércoles 9 de octubre inclusive o hasta agotar stock de 25.000 entradas.

Kiss ofrecerá además la oportunidad de adquirir un paquete limitado de Meet & Greets, para mas información visitar www.KISSonline.com

Fuente: https://www.clarin.com/espectaculos/musi...trjCo.html

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[Imagen: main-qimg-45844066681946f24bff0e3151416a54.webp]

Recién escuchado en Aspen; KISS vuelve a Argentina!!! En el marco del tour "despedida" End of the Road World Tour.

Para tomar nota:
  • Fecha: 9 de Mayo del 2020
  • Lugar: Campo Argentino de Polo
  • Entradas: A partir del jueves 3/10, a las 10 am, a través de AllAcces y los puntos habilitados (La Rural y Teatro Colegiales)

clarin.com escribió:Kiss regresará a la Argentina en 2020 con su gira de despedida

La banda estadounidense dará su último show en nuestro país, en el Campo Argentino de Polo, en el marco de su End of the Road Tour.

Con casi 46 años en la ruta, Kiss recorre por estos días su recta final, con el End of the Road Tour, y en su gira de despedida la banda hará escala en la Argentina, el 9 de mayo de 2020, para tocar en el Campo Argentino de Polo, presentada por la plataforma Flow Music Experience.

Después de una épica y legendaria carrera que comenzó con la era de leyendas del rock and roll, el cuarteto formado por Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss anunció que se despedirá de sus fans de todo el mundo. Y por supuesto que nuestro país no podía quedar fuera de la celebración.

Es que, más allá de aquella visita que no fue en 1983, por obra y gracia de varios empresarios con pocos escrúpulos y de un grupo que amenazó con “volar la Bombonera” con los músicos y el público dentro, su primera llegada a nuestro país, en 1994, en el marco del Festival Monsters of Rock, marcó el inicio de un romance que se mantuvo incondicional a lo largo de dos décadas y media.

Desde entonces, la banda regresó con sus distintas formaciones y formatos de shows, y también lo hicieron varios de sus integrantes por separado, estableciendo un vínculo indestructible con sus fans locales.

Con casi 46 años en la ruta, Kiss recorre por estos días su recta final, con el End of the Road Tour, y en su gira de despedida la banda hará escala en la Argentina, el 9 de mayo de 2020, para tocar en el Campo Argentino de Polo, presentada por la plataforma Flow Music Experience.

Después de una épica y legendaria carrera que comenzó con la era de leyendas del rock and roll, el cuarteto formado por Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss anunció que se despedirá de sus fans de todo el mundo. Y por supuesto que nuestro país no podía quedar fuera de la celebración.

Es que, más allá de aquella visita que no fue en 1983, por obra y gracia de varios empresarios con pocos escrúpulos y de un grupo que amenazó con “volar la Bombonera” con los músicos y el público dentro, su primera llegada a nuestro país, en 1994, en el marco del Festival Monsters of Rock, marcó el inicio de un romance que se mantuvo incondicional a lo largo de dos décadas y media.

Inventores del marketing a gran escala en el rock, cultores de la pirotecnia escénica y producciones explosivas, Kiss ha demostrado durante décadas por qué son sin duda uno de los shows en vivo más emblemáticos del rock ’n’ roll. La banda, que es parte del Hall Of Fame of Rock & Roll y que ha vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo, ha dicho que esta gira está dedicada a los millones de fanáticos que son parte del KISS Army.

"Todo lo que hemos construido y todo lo que hemos conquistado en las últimas cuatro décadas nunca podría haber sucedido sin las millones de personas en todo el mundo que han llenado clubes, teatros y estadios durante esos años. Esta será la celebración definitiva para aquellos que nos han visto y una última oportunidad para aquellos que no lo han hecho. Kiss Army, nos estamos despidiendo en nuestra gira final con nuestro show más grande y saldremos de la misma manera en que entramos... Sin pedir disculpas e imparables”, declararon en el lanzamiento de la gira que los volverá a traer a Buenos Aires.

Esta vez, Kiss en la Argentina es presentado por Flow Music Experience, la nueva plataforma de shows en vivo de Telecom, y se podrá disfrutar en forma exclusiva por streaming en vivo a través de Cablevisión Flow, en los canales 600 o 601.

Las entradas estarán a la venta a partir del jueves 3 de octubre, a las 10, a través de AllAccess.com.ar y en puntos de venta habilitados, desde $2.500 + Service Charge en la Preventa 1. Una vez agotada la Preventa 1 se pasará automáticamente al precio de Preventa 2, y así sucesivamente.

Habrá una preventa exclusiva con Tarjeta Santander desde el jueves 3 al miércoles 9 de octubre inclusive o hasta agotar stock de 25.000 entradas.

Kiss ofrecerá además la oportunidad de adquirir un paquete limitado de Meet & Greets, para mas información visitar www.KISSonline.com

Fuente: https://www.clarin.com/espectaculos/musi...trjCo.html

]]> <![CDATA[A 26 años del ultimo show de Los Borbotones]]> https://foro.pesretro.net/thread-11363.html Mon, 30 Sep 2019 18:02:03 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11363.html [Imagen: simpson-beatles-azotea-web-590x340.jpg]
Capitulo memorable si los hay, fiel sátira a lo ocurrido con The Beatles, por eso creo que vale la pena la mención de este hito en esta sección.

lanacion.com escribió:Los Simpson: cuando Los Borbotones fueron tan grandes como The Beatles

La serie animada Los Simpson , creada en Estados Unidos y conocida en todo el mundo, acumula 600 capítulos en 30 temporadas. En ellos, muchos episodios de la vida cotidiana son interpretados por los personajes de la ciudad ficticia Springfield. Y buena parte de la historia del rock, de la cual su creador Matt Groening es fanático, desfiló y desfila de la mano de Homero, Marge y su familia

Los fans de la serie suelen disfrutar de apariciones que ya son históricas, como las de Metallica, Perry Farrell, U2 y, por supuesto, Los Beatles . Como en el capítulo "El cuarteto de Homero", de la quinta temporada de Los Simpson. En él, Homero se reencuentra en el bar de Moe con Apu, Barney y Skinner, los integrantes de la banda Be Sharps –Los Borbotones para nosotros–, que conformaban en el pasado. Sobre el techo del bar de Moe se ponen a cantar uno de sus grandes éxitos: "Baby on Board".

La serie animada Los Simpson , creada en Estados Unidos y conocida en todo el mundo, acumula 600 capítulos en 30 temporadas. En ellos, muchos episodios de la vida cotidiana son interpretados por los personajes de la ciudad ficticia Springfield. Y buena parte de la historia del rock, de la cual su creador Matt Groening es fanático, desfiló y desfila de la mano de Homero, Marge y su familia

Los fans de la serie suelen disfrutar de apariciones que ya son históricas, como las de Metallica, Perry Farrell, U2 y, por supuesto, Los Beatles . Como en el capítulo "El cuarteto de Homero", de la quinta temporada de Los Simpson. En él, Homero se reencuentra en el bar de Moe con Apu, Barney y Skinner, los integrantes de la banda Be Sharps –Los Borbotones para nosotros–, que conformaban en el pasado. Sobre el techo del bar de Moe se ponen a cantar uno de sus grandes éxitos: "Baby on Board".

Las semejanzas entre realidad y ficción son varias. El bar donde se presentan los Borbotones no es ni más ni menos que la caverna de Moe, uno de los sitios más emblemáticos de la serie, que podría suponerse alude a al famoso Cavern Club de Liverpool, donde se presentaban seguido los Beatles en sus inicios.

Los músicos elegidos para conformar la banda de Los Simpson se asemejan a los del grupo de rock inglés. Homero, que oculta su matrimonio con Marge, como John Lennon debió ocultar el suyo con Cynthia Lennon. Y Barney Gumble reemplaza al Jefe Wiggum como cuando el primer baterista Pete Best fue expulsado y reemplazado por Ringo Starr tiempo después. Además, "Baby On Board", el tema que interpretan los personajes de color amarillo, surgió de un cartel que vio Homero y es el equivalente al tema "Being for the Benefit of Mr. Kite!", de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

El capítulo, que se emitió por primera vez el 30 de septiembre de 1993 -más de 20 años después de la escena real- también revive detalles de aquel concierto en vivo de Los Beatles en la terraza de Apple, en Londres: los colores de la vestimenta de los músicos, el clima ventoso en las alturas, el asombro de los transeúntes y la presencia policial -que en los hechos reales dio por finalizada la función.

Fuente: https://www.lanacion.com.ar/espectaculos...nid2215606

]]> [Imagen: simpson-beatles-azotea-web-590x340.jpg]
Capitulo memorable si los hay, fiel sátira a lo ocurrido con The Beatles, por eso creo que vale la pena la mención de este hito en esta sección.

lanacion.com escribió:Los Simpson: cuando Los Borbotones fueron tan grandes como The Beatles

La serie animada Los Simpson , creada en Estados Unidos y conocida en todo el mundo, acumula 600 capítulos en 30 temporadas. En ellos, muchos episodios de la vida cotidiana son interpretados por los personajes de la ciudad ficticia Springfield. Y buena parte de la historia del rock, de la cual su creador Matt Groening es fanático, desfiló y desfila de la mano de Homero, Marge y su familia

Los fans de la serie suelen disfrutar de apariciones que ya son históricas, como las de Metallica, Perry Farrell, U2 y, por supuesto, Los Beatles . Como en el capítulo "El cuarteto de Homero", de la quinta temporada de Los Simpson. En él, Homero se reencuentra en el bar de Moe con Apu, Barney y Skinner, los integrantes de la banda Be Sharps –Los Borbotones para nosotros–, que conformaban en el pasado. Sobre el techo del bar de Moe se ponen a cantar uno de sus grandes éxitos: "Baby on Board".

La serie animada Los Simpson , creada en Estados Unidos y conocida en todo el mundo, acumula 600 capítulos en 30 temporadas. En ellos, muchos episodios de la vida cotidiana son interpretados por los personajes de la ciudad ficticia Springfield. Y buena parte de la historia del rock, de la cual su creador Matt Groening es fanático, desfiló y desfila de la mano de Homero, Marge y su familia

Los fans de la serie suelen disfrutar de apariciones que ya son históricas, como las de Metallica, Perry Farrell, U2 y, por supuesto, Los Beatles . Como en el capítulo "El cuarteto de Homero", de la quinta temporada de Los Simpson. En él, Homero se reencuentra en el bar de Moe con Apu, Barney y Skinner, los integrantes de la banda Be Sharps –Los Borbotones para nosotros–, que conformaban en el pasado. Sobre el techo del bar de Moe se ponen a cantar uno de sus grandes éxitos: "Baby on Board".

Las semejanzas entre realidad y ficción son varias. El bar donde se presentan los Borbotones no es ni más ni menos que la caverna de Moe, uno de los sitios más emblemáticos de la serie, que podría suponerse alude a al famoso Cavern Club de Liverpool, donde se presentaban seguido los Beatles en sus inicios.

Los músicos elegidos para conformar la banda de Los Simpson se asemejan a los del grupo de rock inglés. Homero, que oculta su matrimonio con Marge, como John Lennon debió ocultar el suyo con Cynthia Lennon. Y Barney Gumble reemplaza al Jefe Wiggum como cuando el primer baterista Pete Best fue expulsado y reemplazado por Ringo Starr tiempo después. Además, "Baby On Board", el tema que interpretan los personajes de color amarillo, surgió de un cartel que vio Homero y es el equivalente al tema "Being for the Benefit of Mr. Kite!", de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

El capítulo, que se emitió por primera vez el 30 de septiembre de 1993 -más de 20 años después de la escena real- también revive detalles de aquel concierto en vivo de Los Beatles en la terraza de Apple, en Londres: los colores de la vestimenta de los músicos, el clima ventoso en las alturas, el asombro de los transeúntes y la presencia policial -que en los hechos reales dio por finalizada la función.

Fuente: https://www.lanacion.com.ar/espectaculos...nid2215606

]]> <![CDATA[Aniversario 50 de Abbey Road, The Beatles]]> https://foro.pesretro.net/thread-11358.html Thu, 26 Sep 2019 19:14:47 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11358.html [Imagen: 0618864001565281970.jpg]
26 de septiembre de 1969 Se lanza el album de la banda The Beatles llamado
''Abbey Road''.

Ss el duodécimo álbum de estudio publicado por la banda británica de rock The Beatles, considerada por muchos su obra cumbre, pues fue el último disco de estudio de la banda, editado en el año 1969. Las grabaciones de Abbey Road comenzaron en abril de 1969, haciendo de este el último álbum grabado por la banda, ya que Let It Be, lanzado en 1970, había sido grabado con anterioridad. Fue lanzado el 26 de septiembre de 1969 en el Reino Unido, y el 1 de octubre del mismo año en los Estados Unidos.
El álbum fue producido y orquestado por George Martin, con Geoff Emerick como ingeniero de grabación y Tony Banks como operador de cinta. Participó también, como asistente de grabación, Alan Parsons.

El álbum se caracterizó por la presencia de un medley en el lado B, una larga pieza de 16 minutos, que constaba de ocho canciones enlazadas una tras otra sucesivamente. El álbum destacó también por contener dos de las canciones más conocidas del guitarrista George Harrison, "Something" y "Here Comes the Sun", popularizando ésta última el uso del sintetizador (Moog) en el rock. La portada del álbum se convirtió en una de las más famosas de la historia de la música, en la cual se representaba a The Beatles cruzando un paso peatonal en el cruce de Grove End Road con la calle Abbey Road, frente a los estudios donde se grabaron casi todas sus canciones desde 1962.

Está considerado uno de los álbumes mejor elaborados por The Beatles, aunque la banda apenas funcionaba ya como un un grupo unido en esa época. En 2003, ocupó el puesto n.° 14 en la lista realizada por la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.4 Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles, lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la historia de la música.5 Los otros álbumes con disco de diamante son The Beatles/1962-1966, The Beatles/1967-1970, The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y 1.

Fuente: https://www.facebook.com/EFEMERIDES-DEL-...593975676/]]> [Imagen: 0618864001565281970.jpg]
26 de septiembre de 1969 Se lanza el album de la banda The Beatles llamado
''Abbey Road''.

Ss el duodécimo álbum de estudio publicado por la banda británica de rock The Beatles, considerada por muchos su obra cumbre, pues fue el último disco de estudio de la banda, editado en el año 1969. Las grabaciones de Abbey Road comenzaron en abril de 1969, haciendo de este el último álbum grabado por la banda, ya que Let It Be, lanzado en 1970, había sido grabado con anterioridad. Fue lanzado el 26 de septiembre de 1969 en el Reino Unido, y el 1 de octubre del mismo año en los Estados Unidos.
El álbum fue producido y orquestado por George Martin, con Geoff Emerick como ingeniero de grabación y Tony Banks como operador de cinta. Participó también, como asistente de grabación, Alan Parsons.

El álbum se caracterizó por la presencia de un medley en el lado B, una larga pieza de 16 minutos, que constaba de ocho canciones enlazadas una tras otra sucesivamente. El álbum destacó también por contener dos de las canciones más conocidas del guitarrista George Harrison, "Something" y "Here Comes the Sun", popularizando ésta última el uso del sintetizador (Moog) en el rock. La portada del álbum se convirtió en una de las más famosas de la historia de la música, en la cual se representaba a The Beatles cruzando un paso peatonal en el cruce de Grove End Road con la calle Abbey Road, frente a los estudios donde se grabaron casi todas sus canciones desde 1962.

Está considerado uno de los álbumes mejor elaborados por The Beatles, aunque la banda apenas funcionaba ya como un un grupo unido en esa época. En 2003, ocupó el puesto n.° 14 en la lista realizada por la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.4 Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles, lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la historia de la música.5 Los otros álbumes con disco de diamante son The Beatles/1962-1966, The Beatles/1967-1970, The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y 1.

Fuente: https://www.facebook.com/EFEMERIDES-DEL-...593975676/]]> <![CDATA[Nuevo lanzamiento: Bridges To Buenos Aires - The Rolling Stones]]> https://foro.pesretro.net/thread-11347.html Wed, 18 Sep 2019 14:09:37 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11347.html Majestades Satánicas!!!

Clarín escribió:En CD, DVD y vinilo

Bridges to Buenos Aires: sale material inédito de los Rolling Stones con Bob Dylan

El cv y el dvd que se editan en noviembre incluyen el show que la banda dio en River el 5 de abril de 1998, con el cantautor norteamericano como invitado.

deal para fanáticos de los Rolling Stones. El 8 de noviembre se lanzará Bridges to Buenos Aires, que captura el show completo que dio la banda en Buenos Aires el 5 de abril de 1998. El material inédito, que se lanzará en CD doble + DVD, DVD solo y vinilo, incluye el momento en que Bob Dylan se suma a Mick Jagger y compañía para hacer una versión de Like a Rolling Stone. Como parte de la gira Bridges to Babylon, fue la última de cinco noches en el estadio de River.

El show empezó con Satisfaction y, en dos horas, el setlist incluyó temas de ese disco, como Saint of me y Thief in the Night, y clásicos como Gimme Shelter o Sister Morphine.

[Imagen: juntos-los-rolling-stones-y___62_SRrewZ_720x0__1.jpg]
Juntos. Los Rolling Stones y Bob Dylan, en abril de 1998, en River Plate.

La puesta en escena fue impactante, con un puente levadizo, con estatuas gigantes, una pantalla circular...

[Imagen: mick-jagger-en-esas-noches___WLseCqmzx_720x0__1.jpg]
Mick Jagger, en esas noches inolvidables de los shows en River Plate.

Bridges to Babylon (el 21° álbum que los Rolling grabaron en Inglaterra) fue publicado en 1997. Su lanzamiento fue seguido de una gira internacional, con 108 actuaciones alrededor del mundo.

[Imagen: lujo-bob-dylan-subio-a___rF9A43xu8_720x0__1.jpg]
Lujo. Bob Dylan subió a cantar "Like a Rolling Stone", son los Rolling Stones, en River, en abril de 1998.

El siguiente álbum de estudio, A Bigger Bang, sería de 2005.

Fuente: https://www.clarin.com/espectaculos/musi...S59cT.html

Tracklist

1 (I Can't Get No) Satisfaction
2 Let’s Spend The Night Together
3 Flip The Switch
4 Gimme Shelter
5 Sister Morphine
6 Its Only Rock ‘n’ Roll (But I Like It)
7 Saint Of Me
8 Out Of Control
9 Miss You
10 Like A Rolling Stone (featuring Bob Dylan)
11 Thief In The Night
12 Wanna Hold You
13 Little Queenie
14 When The Whip Comes Down
15 You Got Me Rocking
16 Sympathy For The Devil
17 Tumbling Dice
18 Honky Tonk Women
19 Start Me Up
20 Jumpin’ Jack Flash
21 You Can’t Always Get What You Want
22 Brown Sugar

[Imagen: SharedImage-94890.jpg?t=21fac9306303d0f222ba]

Fuente: https://thesoundofvinyl.com/*/*/Bridges-...9FJ0000000]]> Majestades Satánicas!!!

Clarín escribió:En CD, DVD y vinilo

Bridges to Buenos Aires: sale material inédito de los Rolling Stones con Bob Dylan

El cv y el dvd que se editan en noviembre incluyen el show que la banda dio en River el 5 de abril de 1998, con el cantautor norteamericano como invitado.

deal para fanáticos de los Rolling Stones. El 8 de noviembre se lanzará Bridges to Buenos Aires, que captura el show completo que dio la banda en Buenos Aires el 5 de abril de 1998. El material inédito, que se lanzará en CD doble + DVD, DVD solo y vinilo, incluye el momento en que Bob Dylan se suma a Mick Jagger y compañía para hacer una versión de Like a Rolling Stone. Como parte de la gira Bridges to Babylon, fue la última de cinco noches en el estadio de River.

El show empezó con Satisfaction y, en dos horas, el setlist incluyó temas de ese disco, como Saint of me y Thief in the Night, y clásicos como Gimme Shelter o Sister Morphine.

[Imagen: juntos-los-rolling-stones-y___62_SRrewZ_720x0__1.jpg]
Juntos. Los Rolling Stones y Bob Dylan, en abril de 1998, en River Plate.

La puesta en escena fue impactante, con un puente levadizo, con estatuas gigantes, una pantalla circular...

[Imagen: mick-jagger-en-esas-noches___WLseCqmzx_720x0__1.jpg]
Mick Jagger, en esas noches inolvidables de los shows en River Plate.

Bridges to Babylon (el 21° álbum que los Rolling grabaron en Inglaterra) fue publicado en 1997. Su lanzamiento fue seguido de una gira internacional, con 108 actuaciones alrededor del mundo.

[Imagen: lujo-bob-dylan-subio-a___rF9A43xu8_720x0__1.jpg]
Lujo. Bob Dylan subió a cantar "Like a Rolling Stone", son los Rolling Stones, en River, en abril de 1998.

El siguiente álbum de estudio, A Bigger Bang, sería de 2005.

Fuente: https://www.clarin.com/espectaculos/musi...S59cT.html

Tracklist

1 (I Can't Get No) Satisfaction
2 Let’s Spend The Night Together
3 Flip The Switch
4 Gimme Shelter
5 Sister Morphine
6 Its Only Rock ‘n’ Roll (But I Like It)
7 Saint Of Me
8 Out Of Control
9 Miss You
10 Like A Rolling Stone (featuring Bob Dylan)
11 Thief In The Night
12 Wanna Hold You
13 Little Queenie
14 When The Whip Comes Down
15 You Got Me Rocking
16 Sympathy For The Devil
17 Tumbling Dice
18 Honky Tonk Women
19 Start Me Up
20 Jumpin’ Jack Flash
21 You Can’t Always Get What You Want
22 Brown Sugar

[Imagen: SharedImage-94890.jpg?t=21fac9306303d0f222ba]

Fuente: https://thesoundofvinyl.com/*/*/Bridges-...9FJ0000000]]> <![CDATA[Aniversario de Use Your Illusion I & II, Guns N' Roses]]> https://foro.pesretro.net/thread-11345.html Tue, 17 Sep 2019 10:36:32 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11345.html A 28 años de Use Your Illusion I & II

[Imagen: ftGunsNRoses.jpg]

Breve historia

La mitad de este mes llega con un recuerdo marcado a fuego por el rock, es que un 17 de septiembre, pero de 1991, Guns N’ Roses publicaba los álbumes Use Your Illusion I y II. Las portadas de Use Youy Illusion I y II presentan el mismo arte -pero en distintos tonos-, basado en la pintura de Rafael, “La escuela de Atenas”.

[Imagen: Raphael_School_of_Athens.jpg]

[Imagen: main-qimg-01c39ce76d9648410116900ca32bada2.webp]

Ambas fueron diseñadas por el artista estonio-americano Mark Kostabi. Use Your Illusion I y II fueron lanzados a media noche y se vendieron 500.000 copias en sólo dos horas. Hay una frase “escondida” en sus notas de agradecimiento: “Fuck You St. Louis”, en referencia a la demanda que recibió Axl Rose en 1991 por interrumpir el concierto que dio junto a Guns N’ Roses en St Louis.

Fuente:
https://www.quora.com/Guns-N-Roses-band-...ion-depict
https://la100.cienradios.com/gracias-tot...da-stereo/
Buscador de imágenes de Google

Los álbumes

Use Your Illusion I

Playlist completa en YouTube


Use Your Illusion II

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]]> A 28 años de Use Your Illusion I & II

[Imagen: ftGunsNRoses.jpg]

Breve historia

La mitad de este mes llega con un recuerdo marcado a fuego por el rock, es que un 17 de septiembre, pero de 1991, Guns N’ Roses publicaba los álbumes Use Your Illusion I y II. Las portadas de Use Youy Illusion I y II presentan el mismo arte -pero en distintos tonos-, basado en la pintura de Rafael, “La escuela de Atenas”.

[Imagen: Raphael_School_of_Athens.jpg]

[Imagen: main-qimg-01c39ce76d9648410116900ca32bada2.webp]

Ambas fueron diseñadas por el artista estonio-americano Mark Kostabi. Use Your Illusion I y II fueron lanzados a media noche y se vendieron 500.000 copias en sólo dos horas. Hay una frase “escondida” en sus notas de agradecimiento: “Fuck You St. Louis”, en referencia a la demanda que recibió Axl Rose en 1991 por interrumpir el concierto que dio junto a Guns N’ Roses en St Louis.

Fuente:
https://www.quora.com/Guns-N-Roses-band-...ion-depict
https://la100.cienradios.com/gracias-tot...da-stereo/
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]]> <![CDATA[¿Que estación de radio escuchas?]]> https://foro.pesretro.net/thread-11341.html Sat, 14 Sep 2019 15:07:41 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11341.html [Imagen: radio300.png]
Hola!

En este topic vamos a poder comentar que emisora de radio solemos escuchar, a fin de que podamos ampliar nuestro universo radial (?


Lo ideal sería compartir: Nombre de la radio, dial, pagina web para poder escucharla on-line, y una breve descripción.

También pueden compartir alguna anécdota o lo que deseen referido al tema.

Saludos!]]> [Imagen: radio300.png]
Hola!

En este topic vamos a poder comentar que emisora de radio solemos escuchar, a fin de que podamos ampliar nuestro universo radial (?


Lo ideal sería compartir: Nombre de la radio, dial, pagina web para poder escucharla on-line, y una breve descripción.

También pueden compartir alguna anécdota o lo que deseen referido al tema.

Saludos!]]> <![CDATA[Nuevo lanzamiento: Gustavo Cerati en Monterrey]]> https://foro.pesretro.net/thread-11339.html Fri, 13 Sep 2019 09:10:47 -0300 Shoot]]> https://foro.pesretro.net/thread-11339.html CONFIRMADO: EDITARÁN “GUSTAVO CERATI EN MONTERREY”, EL DVD QUE REGISTRA LA GIRA FUERZA NATURAL

[Imagen: 120919-470x260.png]

12 septiembre, 2019 / Gustavo Cerati

A pocas semanas de salir a la venta, se dio a conocer a través de las redes sociales oficiales de Gustavo Cerati, un adelanto de lo que será el CD + DVD que registra la Gira Fuerza Natural, la última del artista.

Se confirmó entonces que el show a editarse será el primero de la gira, aquel que Gustavo realizara de forma gratuita en el Estadio de Beisbol de Monterrey, como parte del Coca Cola Zero Fest, el 19 de Noviembre de 2009.

Aquella noche el ex Soda Stereo interpretó ante más de 10.000 personas el siguiente set list:

01- Fuerza Natural
02- Magia
03- Deja Vu
04- Desastre
05- Rapto
06- Amor sin Rodeos
07- Tracción a Sangre
08- Cactus
09- Naturaleza Muerta
10- Dominó
11- Sal
12- Convoy
13- He visto a Lucy
14- Zona de Promesas
15- Pulsar
16- Te llevo para que me lleves
17- Marea de Venus
18- Crimen
19- Paseo Inmoral
20- Cosas Imposibles
21- La Excepción
22- Adiós
23- Puente
24- Lago en el Cielo
25- #

“No sé si saben de qué se trata esto. ¡Vamos a tocar todo el disco nuevo entero!“, se escucha decir a Gustavo en el adelanto lanzado por Sony Music esta tarde.

“Hay discos que se disfrutan más, discos que surgen más por necesidad, discos que surgen más por deseo. Este es un disco fundamentalmente empujado por el deseo“, finaliza Cerati.

Aún resta confirmar la fecha de edición de este concierto, que promete y mucho.

Fuente: http://enremolinos.com/confirmado-editar...a-natural/]]> CONFIRMADO: EDITARÁN “GUSTAVO CERATI EN MONTERREY”, EL DVD QUE REGISTRA LA GIRA FUERZA NATURAL

[Imagen: 120919-470x260.png]

12 septiembre, 2019 / Gustavo Cerati

A pocas semanas de salir a la venta, se dio a conocer a través de las redes sociales oficiales de Gustavo Cerati, un adelanto de lo que será el CD + DVD que registra la Gira Fuerza Natural, la última del artista.

Se confirmó entonces que el show a editarse será el primero de la gira, aquel que Gustavo realizara de forma gratuita en el Estadio de Beisbol de Monterrey, como parte del Coca Cola Zero Fest, el 19 de Noviembre de 2009.

Aquella noche el ex Soda Stereo interpretó ante más de 10.000 personas el siguiente set list:

01- Fuerza Natural
02- Magia
03- Deja Vu
04- Desastre
05- Rapto
06- Amor sin Rodeos
07- Tracción a Sangre
08- Cactus
09- Naturaleza Muerta
10- Dominó
11- Sal
12- Convoy
13- He visto a Lucy
14- Zona de Promesas
15- Pulsar
16- Te llevo para que me lleves
17- Marea de Venus
18- Crimen
19- Paseo Inmoral
20- Cosas Imposibles
21- La Excepción
22- Adiós
23- Puente
24- Lago en el Cielo
25- #

“No sé si saben de qué se trata esto. ¡Vamos a tocar todo el disco nuevo entero!“, se escucha decir a Gustavo en el adelanto lanzado por Sony Music esta tarde.

“Hay discos que se disfrutan más, discos que surgen más por necesidad, discos que surgen más por deseo. Este es un disco fundamentalmente empujado por el deseo“, finaliza Cerati.

Aún resta confirmar la fecha de edición de este concierto, que promete y mucho.

Fuente: http://enremolinos.com/confirmado-editar...a-natural/]]> <![CDATA[[Difusión] Primer canción de un amigo.]]> https://foro.pesretro.net/thread-11338.html Fri, 13 Sep 2019 00:26:57 -0300 Tomi1889]]> https://foro.pesretro.net/thread-11338.html
Justo el mismo día en el cual se crea el subforo un amigo saca su primer tema que me encantaría que escuchen, y en caso de que les guste le den un poco de difusión, eso lo motivaría mucho. Y también, al igual que en la edición de PES, un simple like ayuda mucho.

Desde ya les agradezco de corazón a todos los que se pasen... :134:

]]>
Justo el mismo día en el cual se crea el subforo un amigo saca su primer tema que me encantaría que escuchen, y en caso de que les guste le den un poco de difusión, eso lo motivaría mucho. Y también, al igual que en la edición de PES, un simple like ayuda mucho.

Desde ya les agradezco de corazón a todos los que se pasen... :134:

]]> <![CDATA[¿Murió el Grunge? Mi opinión y algo más]]> https://foro.pesretro.net/thread-11337.html Thu, 12 Sep 2019 23:24:29 -0300 Anthrax]]> https://foro.pesretro.net/thread-11337.html ¿MURIÓ EL GRUNGE?
[Imagen: IZAabnR.png]

Esta etiqueta de Grunge que calificaba el género, no era precisamente querida por todos. Si bien cadenas como MTV o las principales revistas de música de la época la utilizaban para referirse a bandas como Pearl Jam, Nirvana y en general a las bandas provenientes de Seattle, los que realmente estaban involucrados en la movida no aceptaban el término para definir su estilo. Stone Gossard, guitarrista y fundador de Pearl Jam, se negaría a mencionar el término durante una entrevista y Ben Shepherd bajista de Soundgarden sería aún más específico al comentar: "Grunge es una puta palabra usada en comerciales de TV para hablar de la Mi3rd4 acumulada en las cortinas de baño"

Entre 1988 y 1990 el movimiento sufría transformaciones importantes y decisivas. Las bandas pioneras de Seattle se dividían e intercambiaban integrantes. Green River se partía en dos grupos, aquellos que preferían permanecer underground, Mark Arm y Steve Turner que formaron Mudhoney y los que miraban más a la fama como Jeff Ament, Bruce Fairweather y Stone Gossard que junto a Andrew Wood vocalista de Malfunkshun se unieron para conformar Mother Love Bone.

Los 90 llegaban con el efímero estrellato de los Mother Love Bone. Un desafortunado incidente, la muerte por sobredosis de su vocalista Andrew Wood, traería como consecuencia una revolución en la escena musical de Seattle, no solo la esencia del Grunge como lo conocemos sino el nacimiento de las principales bandas del género. Chris Cornell, vocalista de Soundgarden y antiguo compañero de Wood, junto a los miembros restantes de la banda, crearían Temple of the Dog como tributo a su amigo en la que participaría Eddie Vedder como segunda voz en uno de los temas, Hunger Strike, Vedder eventualmente formaría junto a Ament y Gossard la mítica Pearl Jam.

No se puede hablar de Grunge sin definir sus raíces en los Melvins, una de las bandas pioneras del género y que influenciara directamente en el desaparecido Kurt Cobain a la cabeza de Nirvana, una de las más renombradas por su éxito comercial. Muchas de las agrupaciones de la época adoptarían el mismo estilo musical del sonido de Seattle. Bandas como Bush nacida en la escena londinense, los australianos de Silverchair u otras Bandas míticas como Stone Temple Pilots, que aunque no eran originarias de Seattle serían consideradas como Grunge, a pesar de muchos detractores.

La vida del grunge fue en declive a mediado de los 90. Bandas como Collective Soul o Everclear aplicaron menos distorsión a sus guitarras lo que algunos califican de post-grunge. Las grandes bandas representativas se iban apagando, la muerte de Kurt Cobain en 1994 acabó con Nirvana, en 1996 grandes de la movida como Alice in Chains daban sus últimas presentaciones en vivo con Layne Staley como vocalista y Soungarden presentaba el que fuera su quinto y último album Down On the Upside cuya edición es considerada por muchos como la desaparición definitiva del Movimiento Grunge de Seattle.

Hoy en día todavía se cuestiona si el Grunge como género representa un sonido en especial o una escena musical definida en la Seattle de los años 80 y 90. Ben London vocalista de Alcohol Funnycar lo describía así: “Si vivías en Seattle y tenías menos de 30 años eras Grunge, sin importar cómo sonaba tu banda”.

Mi opinión:

El grunge se hizo un estilo de vida, sin importar que fuese un sub-genero del rock, creo un estilo de música que entre lo desordenado y mal enfocado, segmentaba una gran de cantidad de personas que vivían una vida, hecha un desorden o querían expresar sus sentimientos sin ser pre juzgados.


Con la separación de Nirvana (por muerte de su líder), no siento que se termino el Grunge, sino la popularidad que esta aportaba al sub-genero. Siendo honesto, el golpe más duro que ha sufrido el grunge, fue la muerte de Layne y Scott Weiland (Vocalistas de Alice in Chains & Stone Temple Pilots), porqué ellos al igual que Kurt Cobain, eran la imagen viva del desgarro y sufrimiento que puede tener una persona.

Es muy cierto que en el mundo de la música, si no evolucionas quedas atrás y es muy probable que no tengas más relevancia. Y así es como Pearl Jam, sigue vigente, es cierto que ya no suena tanto a grunge, no produce más canciones como "Even Flow, Porch, Alive, etc". Pero, ha sabido mantener un poco de esa esencia en canciones como "Sirens, I'm mine o Just Breathe".

]]> ¿MURIÓ EL GRUNGE?
[Imagen: IZAabnR.png]

Esta etiqueta de Grunge que calificaba el género, no era precisamente querida por todos. Si bien cadenas como MTV o las principales revistas de música de la época la utilizaban para referirse a bandas como Pearl Jam, Nirvana y en general a las bandas provenientes de Seattle, los que realmente estaban involucrados en la movida no aceptaban el término para definir su estilo. Stone Gossard, guitarrista y fundador de Pearl Jam, se negaría a mencionar el término durante una entrevista y Ben Shepherd bajista de Soundgarden sería aún más específico al comentar: "Grunge es una puta palabra usada en comerciales de TV para hablar de la Mi3rd4 acumulada en las cortinas de baño"

Entre 1988 y 1990 el movimiento sufría transformaciones importantes y decisivas. Las bandas pioneras de Seattle se dividían e intercambiaban integrantes. Green River se partía en dos grupos, aquellos que preferían permanecer underground, Mark Arm y Steve Turner que formaron Mudhoney y los que miraban más a la fama como Jeff Ament, Bruce Fairweather y Stone Gossard que junto a Andrew Wood vocalista de Malfunkshun se unieron para conformar Mother Love Bone.

Los 90 llegaban con el efímero estrellato de los Mother Love Bone. Un desafortunado incidente, la muerte por sobredosis de su vocalista Andrew Wood, traería como consecuencia una revolución en la escena musical de Seattle, no solo la esencia del Grunge como lo conocemos sino el nacimiento de las principales bandas del género. Chris Cornell, vocalista de Soundgarden y antiguo compañero de Wood, junto a los miembros restantes de la banda, crearían Temple of the Dog como tributo a su amigo en la que participaría Eddie Vedder como segunda voz en uno de los temas, Hunger Strike, Vedder eventualmente formaría junto a Ament y Gossard la mítica Pearl Jam.

No se puede hablar de Grunge sin definir sus raíces en los Melvins, una de las bandas pioneras del género y que influenciara directamente en el desaparecido Kurt Cobain a la cabeza de Nirvana, una de las más renombradas por su éxito comercial. Muchas de las agrupaciones de la época adoptarían el mismo estilo musical del sonido de Seattle. Bandas como Bush nacida en la escena londinense, los australianos de Silverchair u otras Bandas míticas como Stone Temple Pilots, que aunque no eran originarias de Seattle serían consideradas como Grunge, a pesar de muchos detractores.

La vida del grunge fue en declive a mediado de los 90. Bandas como Collective Soul o Everclear aplicaron menos distorsión a sus guitarras lo que algunos califican de post-grunge. Las grandes bandas representativas se iban apagando, la muerte de Kurt Cobain en 1994 acabó con Nirvana, en 1996 grandes de la movida como Alice in Chains daban sus últimas presentaciones en vivo con Layne Staley como vocalista y Soungarden presentaba el que fuera su quinto y último album Down On the Upside cuya edición es considerada por muchos como la desaparición definitiva del Movimiento Grunge de Seattle.

Hoy en día todavía se cuestiona si el Grunge como género representa un sonido en especial o una escena musical definida en la Seattle de los años 80 y 90. Ben London vocalista de Alcohol Funnycar lo describía así: “Si vivías en Seattle y tenías menos de 30 años eras Grunge, sin importar cómo sonaba tu banda”.

Mi opinión:

El grunge se hizo un estilo de vida, sin importar que fuese un sub-genero del rock, creo un estilo de música que entre lo desordenado y mal enfocado, segmentaba una gran de cantidad de personas que vivían una vida, hecha un desorden o querían expresar sus sentimientos sin ser pre juzgados.


Con la separación de Nirvana (por muerte de su líder), no siento que se termino el Grunge, sino la popularidad que esta aportaba al sub-genero. Siendo honesto, el golpe más duro que ha sufrido el grunge, fue la muerte de Layne y Scott Weiland (Vocalistas de Alice in Chains & Stone Temple Pilots), porqué ellos al igual que Kurt Cobain, eran la imagen viva del desgarro y sufrimiento que puede tener una persona.

Es muy cierto que en el mundo de la música, si no evolucionas quedas atrás y es muy probable que no tengas más relevancia. Y así es como Pearl Jam, sigue vigente, es cierto que ya no suena tanto a grunge, no produce más canciones como "Even Flow, Porch, Alive, etc". Pero, ha sabido mantener un poco de esa esencia en canciones como "Sirens, I'm mine o Just Breathe".

]]> <![CDATA[30 años del disco Pump de Aerosmith]]> https://foro.pesretro.net/thread-11336.html Thu, 12 Sep 2019 21:40:36 -0300 hayate]]> https://foro.pesretro.net/thread-11336.html [Imagen: R-1008180-1459499314-1961.jpeg.jpg]
Publicación: 12 de septiembre de 1989
Grabación: 1989
Género(s): Hard rock, blues rock, glam metal1​
Duración: 45:41
Discográfica: Columbia
Productor(es): Bruce Fairbairn

Si Rocks y Toys in the Attic son las maravillas de la primera vida de esplendor creativo de Aerosmith, creo que Permanent Vacation y este Pump son las de su segunda vida.

Después del muy recomendable Permanent Vacation, Pump significaría que los Aerosmith cerraban los 80 por todo lo alto y estaban preparados para reinar también los 90. Pump es un discazo muy rockero, alegre y muy ameno de escuchar. Temas muy gancheros compuestos algunos con la ayuda de los típicos fabrica-hits Desmond Child o Jim Vallance, una producción brillante a cargo del reputado Bruce Fairbairn, y unos Aerosmith en plena forma y limpitos de toxinas. De hecho el disco, grabado en los little mountain de Vancouver, Canada, se realizó al tiempo que al ladito estaban los Mötley Crüe grabando el Dr. Feelgood y como declara Nikki Sixx en el libro The Dirt, "... iba a buscar a Steven (Tyler)después de trabajar y hacíamos esas cosas ridículas que hacen las estrellas de rock sobrias como hacer footing y beber agua Perrier". De hecho las dos bandas compartían el mismo terapeuta, después de las sesiones de grabación. Estaba claro que las compañías querían mantener a raya a sus estrellas rockeras.

El disco se abre con un cañonazo rockero, Young Lust, Aerosmith van a ritmo de locomotora y el grito de Tyler (también tocando la armónica en este tema) nos anuncia que los Bad Boys de Boston apuestan fuerte. Sin descanso entre tema y tema empieza F.I.N.E con un Tyler perfecto y socarrón, un tema muy vacilón, ¿su significado? Fucked Up, Insecure, Neurotic and Emotional. Después de la sensual azafata y su "Good Morning Mr. Tyler, Going Down?" empieza uno de los temas más famosos de los Aerosmith. Love in a elevator, tiene un estribillo irresistible, pero hay mucho más, todo un desarollo maestro de los maestros Perry y Whitford, con un bajo preciso de escuela setentera y un Kramer de pegada increíble en la batería. Un temazo.

Con slide guitar y un Tyler fantástico (se sale en todo el disco) se abre Monkey on my back, otro tema rock de regusto clásico por los cuatro costados. Janie’s Got a gun es otro de los puntos álgidos del disco con esas clásicas notas de teclado, un mítico Korg M1. El tema es un medio tiempo que consiguió un Grammy a la mejor canción rock. Fantástico el puente hacia el solo. Gran tema. Dulcimer Stop sirve de intro para otro temazo llamado The Other Side, con un gran trabajo de voces y coros, sección de viento y otro solo de sabor clásico de Joe Perry. My Girl es un divertido rock'n'roll muy booggie, muy 70's, para seguir con otra maravilla llamada Don't Get mad, get even, fantástica la armónica y voz de Tyler para abrir el tema, estribillo irresistible de nuevo en otro ejercicio de rock bluesy clásico pero con es ingrediente mágico que los Aerosmith imprimen a sus temas. Temática de indios y hechizeros en Hoodoo y Voodoo medicine man, el tema empieza con unas notas de guitarra, un sussurrante Tyler y una genial línea de bajo para explotar con redoble de Kramer. El grupo vuelve a funcionar de maravilla en este tipo de temas de desarrollos setenteros, incluso de aromas Zeppelianos. Genial. Y para cerrar una balada de esas de las que Aerosmith se harían especialistas en discos posteriores y que nos bombardearían con temas como Crazy o Amazing o no se qué. Aquí la que suena es What it Takes y las verdad es que es una gran canción de sabor clásico americano 100%.

Con Pump, Aerosmith encabezaría el Monsters en el festival de Donnigton junto a bandas de la talla de Whitesnake, Poison, Thunder o Quireboys. Y es que esos grupos en esa época y en ese mítico fetival fueron capaces de meter a más de 200.000 personas de público. Eran otros tiempos.

Listado de canciones

1.- Young Lust
2.- F.I.N.E.
3.- Going down
4.- Love in an elevator
5.- Monkey on my back
6.- Water song
7.- Janie´s got a gun
8.- Dulcimer stomp
9.- The other side
10.- My girl
11.- Don´t get mad, get even
12.- Hoodoo
13.- Voodoo medicine man
14.- What it takes

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Publicación: 12 de septiembre de 1989
Grabación: 1989
Género(s): Hard rock, blues rock, glam metal1​
Duración: 45:41
Discográfica: Columbia
Productor(es): Bruce Fairbairn

Si Rocks y Toys in the Attic son las maravillas de la primera vida de esplendor creativo de Aerosmith, creo que Permanent Vacation y este Pump son las de su segunda vida.

Después del muy recomendable Permanent Vacation, Pump significaría que los Aerosmith cerraban los 80 por todo lo alto y estaban preparados para reinar también los 90. Pump es un discazo muy rockero, alegre y muy ameno de escuchar. Temas muy gancheros compuestos algunos con la ayuda de los típicos fabrica-hits Desmond Child o Jim Vallance, una producción brillante a cargo del reputado Bruce Fairbairn, y unos Aerosmith en plena forma y limpitos de toxinas. De hecho el disco, grabado en los little mountain de Vancouver, Canada, se realizó al tiempo que al ladito estaban los Mötley Crüe grabando el Dr. Feelgood y como declara Nikki Sixx en el libro The Dirt, "... iba a buscar a Steven (Tyler)después de trabajar y hacíamos esas cosas ridículas que hacen las estrellas de rock sobrias como hacer footing y beber agua Perrier". De hecho las dos bandas compartían el mismo terapeuta, después de las sesiones de grabación. Estaba claro que las compañías querían mantener a raya a sus estrellas rockeras.

El disco se abre con un cañonazo rockero, Young Lust, Aerosmith van a ritmo de locomotora y el grito de Tyler (también tocando la armónica en este tema) nos anuncia que los Bad Boys de Boston apuestan fuerte. Sin descanso entre tema y tema empieza F.I.N.E con un Tyler perfecto y socarrón, un tema muy vacilón, ¿su significado? Fucked Up, Insecure, Neurotic and Emotional. Después de la sensual azafata y su "Good Morning Mr. Tyler, Going Down?" empieza uno de los temas más famosos de los Aerosmith. Love in a elevator, tiene un estribillo irresistible, pero hay mucho más, todo un desarollo maestro de los maestros Perry y Whitford, con un bajo preciso de escuela setentera y un Kramer de pegada increíble en la batería. Un temazo.

Con slide guitar y un Tyler fantástico (se sale en todo el disco) se abre Monkey on my back, otro tema rock de regusto clásico por los cuatro costados. Janie’s Got a gun es otro de los puntos álgidos del disco con esas clásicas notas de teclado, un mítico Korg M1. El tema es un medio tiempo que consiguió un Grammy a la mejor canción rock. Fantástico el puente hacia el solo. Gran tema. Dulcimer Stop sirve de intro para otro temazo llamado The Other Side, con un gran trabajo de voces y coros, sección de viento y otro solo de sabor clásico de Joe Perry. My Girl es un divertido rock'n'roll muy booggie, muy 70's, para seguir con otra maravilla llamada Don't Get mad, get even, fantástica la armónica y voz de Tyler para abrir el tema, estribillo irresistible de nuevo en otro ejercicio de rock bluesy clásico pero con es ingrediente mágico que los Aerosmith imprimen a sus temas. Temática de indios y hechizeros en Hoodoo y Voodoo medicine man, el tema empieza con unas notas de guitarra, un sussurrante Tyler y una genial línea de bajo para explotar con redoble de Kramer. El grupo vuelve a funcionar de maravilla en este tipo de temas de desarrollos setenteros, incluso de aromas Zeppelianos. Genial. Y para cerrar una balada de esas de las que Aerosmith se harían especialistas en discos posteriores y que nos bombardearían con temas como Crazy o Amazing o no se qué. Aquí la que suena es What it Takes y las verdad es que es una gran canción de sabor clásico americano 100%.

Con Pump, Aerosmith encabezaría el Monsters en el festival de Donnigton junto a bandas de la talla de Whitesnake, Poison, Thunder o Quireboys. Y es que esos grupos en esa época y en ese mítico fetival fueron capaces de meter a más de 200.000 personas de público. Eran otros tiempos.

Listado de canciones

1.- Young Lust
2.- F.I.N.E.
3.- Going down
4.- Love in an elevator
5.- Monkey on my back
6.- Water song
7.- Janie´s got a gun
8.- Dulcimer stomp
9.- The other side
10.- My girl
11.- Don´t get mad, get even
12.- Hoodoo
13.- Voodoo medicine man
14.- What it takes

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